Достоверное представление об икэбане невозможно без ознакомления с основными этапами ее развития. Предлагаемый материал в сжатой форме освещает исторический путь этого
традиционного японского декоративного искусства.
Икэбана — в дословном переводе означает «живые цветы». Этот термин после 1955 года закрепился за искусством составления цветочно-растительных композиций в вазах и различных емкостях. Термин икэбана обобщает все школы и направления, как традиционные, так и авангардные. Также продолжает существовать понятие кадо (Путь цветка), имеющее более узкое, философско-эстетическое значение. Оно появилось в середине Х века как производное от хана-итидо (единственный путь цветка), направления, сформировавшегося еще в эпоху Муромати (1333— 1568).
Зарождение икэбаны связывают с пришедшим из Индии обычаем украшать цветами изображения Будды. Еще до принятия буддизма (6 век) в Японии существовали местные ритуалы подношения священных растений различным божествам.
Первые сведения об оформлении цветами храмовых алтарей привез в Японию священник Сэнму, ездивший в 603 году на материк для изучения буддизма и китайской культуры. По возвращении он стал настоятелем храма Роккакудо в Киото. Его жилище на территории храма получило название икэнобо (хижина у пруда). Спустя несколько столетий, это название перейдет к первой школе икэбаны.
О ранних этапах развития искусства цветочных композиций сохранилось очень немного сведений. Определенными свидетельствами выступают росписи и рельефы в некоторых храмах, буддийские скульптуры, живопись на горизонтальных свитках (эмаки-э). Для храмовых цветочных подношений, получивших название кугэ, использовали бутоны, цветы и листья лотоса, священного цветка в буддизме. Сначала растения помешали в корзинки (кэко) и невысокие сосуды (кэбан). Позднее стали использовать китайские бронзовые парные вазы, которые ставились по краям алтаря.
В Х веке большое распространение получила буддийская секта Дзёдо (Чистая страна), которая во главу ставила веру в Будду Амида, владыку Западного рая, места отдыха праведников перед последним перерождением. Эта тенденция оказала значительное влияние на вкусы и взгляды придворной аристократии, которая определяла общую направленность культуры того времени. Печать утонченности, поэтичности, праздничности отразилась и на кугэ, которые стали более свободными и приобрели декоративную окраску, поскольку выступали уже не только в качестве подношений Будде, но и выражали дух рая Амиды, представлявшийся прекрасным садом с обилием дивных цветов. Цветочные композиции стали устанавливать и в знатных домах. В храмах, помимо лотосов, появились и другие цветы, но сохранялась строгая регламентация формы, которую составляли три основных элемента, символизирующие Небо, Человека и Землю. Были определены и пропорции — высота главного элемента (Небо) составляла полторы высоты вазы, а два меньших элемента симметрично ставились по бокам. Появилась композиция из курильницы в центре, под свечника со свечой и вазы с цветами по бокам, получившая название мицугусоку (три элемента).
В эпоху Хэйан (7 10—794) в придворной среде ста ли популярны цветочные соревнования (хана-авасэ). Для них выбирали самые красивые и необычные цветы, травы, ветки деревьев, которые становились затем темами для поэтического состязания. Эти элегантные развлечения позже дали начало танабата хана-авасэ - показу цветочных композиций во время фестиваля Танабата. Эти композиции стали выставляться в храмах и святилищах для показа широкой публике.
Дальнейшему распространению цветочных композиций во многом способствовало сложение нового архитектурного стиля аристократического дома — сё-ив-дзукури. В гостиной такого дома появилась большая ниша со слегка приподнятым полом — оси-ита (прототип токонома). В этой нише вешали свитки, а внизу помешали вазу с цветами. Отбором произведений искусства для размещения их на расположенных рядом с нишей полках (кадзаридана) и созданием цветочных композиций занимались специальные люли — монахи и миряне, служившие у придворной знати. Особым покровительством сёгуна Ёсимаса Асикага (1436—1490) пользовались представители буддийской секты Дзисю, составившие художественную династию Ами. двое из них — Рюами и Монъами стали выдающимися мастерами цветочных композиций, которые в это время уже имели название — татэбана (стоящие цветы).
После военных междоусобиц (1467—1477) сёгуны Асикага уже не в состоянии были уделять внимание и средства развитию искусств. К середине 16 века ведущая роль от придворных мастеров перешла к монахам храма Роккакудо. К этому времени в Роккакудо сложилось свое направление аранжировки цветов. Еще в 1462 году Икэнобо Сэнкэй создал большую асимметричную композицию в золотой вазе, символизировавшую священную буддийскую гору Сумэру. Работа произвела ошеломляющее впечатление на весь Киото, и от этого события начинается отсчет истории школы Икэнобо и искусства икэбаны в целом.
Татэбана предназначались для официальных церемоний и особых событий (бракосочетание, обряд совершеннолетия, отьезд самурая на поле брани и т.д.), поэтому выбор ваз и растений, сама форма композиций строго регламентировались. Характерной особенностью татэбана оставался принцип трех основных элементов главного в центре и двух по бокам. Мастера школы Икэвобо творчески развивали этот стиль, насыщая символикой и оттачивая форму.
В 17 веке во время усиления моды на Китайскую культуру иероглифы слова татэбана стали читать по китайскому варианту — рикка. Этот термин окончательно закрепился за композициями школы Икэнобо. Рикка выражала идеальный философско-ху дожественный образ мироздания. Самая высокая центральная ветвь всегда обозначала гору Сумэру и называлась син (истина). Рикка состояла из 7 основополагающих элементов (в 17 веке добавили еще два). Они символизировали разные пейзажные образы — холм, водопад, город, долину и т. д. Важным положением выступало выражение в композиции единства и противоположности двух начал — инь и ян.
Расцвет рикка приходится на 17 век. В это время завершилось формирование терминологии, правил, определяющих пропорции и наклоны основных элементов, подбор растений и их цветовое значение, которые сохраняются до настоящего времени. Были разработаны три стиля -син (формальный), гё (полуформальный) и со (неформальный) и 29 форм — фу-тацу-син (с двумя син), суна-во моно (в широком плоском сосуде с песком, вариант гё), айдзин (в частности, для бракосочетания), иссика-рикка (только из одного вида растений) и т. д.
Школа Икэнобо, которую поддерживала государственная власть, занимала лидирующее положение до начала ХХ века, но наряду с ней существовали и другие направления, имевшие своё видение стиля рикка. Монументальный, сложный для исполнения этот стиль к 18 веку в значительной мере приобрел формалистический консервативный характер. Параллельно с Рикка происходило развитие и других видов цветочная композиций.
В середине 16 века появился стиль нагэирэ (вброшенные цветы). Происхождение его связывается с обычаем помешать подготовленный для создания композиции растительный материал в деревянную бадейку с водой. Его создателем считается мастер чайной церемонии Сэн-но Рикю (1522—1591). К нагэирэ стали относить любую постановку цветов, кроме рикка. Свобода и простота нового направления, не обремененного никакими правилами, кроме безыскусной гармонии, полностью отвечали практическим и эстетическим потребностям широких масс горожан, которые все более активно включались в процесс формирования новой городской культуры. Легкость исполнения нагэирэ позволила, наконец, и женщинам начать заниматься созданием цветочных композиций.
В трактате «Нагэирэ Киси-но Нами» (1740) говорится о трех разновидностях нагэирэ-хана (цветы нагэирэ): тябана (цветы для чая, т.е. для чайной церемонии), сёка (живой цветок) и икэгоми - большое количество цветов в вазе. Из них только икэгоми не получила дальнейшего развития.
Первые шаги тябава связаны также с Сэн-но Рикю. Он включил цветочную композицию в общий ансамбль чайного действа, которое основывалось на принципах простоты, естественности, скромности, чистоты. Тябана по его мнению, должна выражать чувства и настроение мастера, связанные с каждой конкретной церемонией. Он говорил, что для этого нужно совсем немного материала - один-два цветка, но поставить их следует так, как будто они продолжа ют расти в поле.
Сёка — асимметричная форма с тремя основными линиями (небо, человек, земля) в конце 18 века стала самостоятельным стилем. В нем органично сочетались величественное своеобразие дикие, духовность и естественность тябана и изначальная простота нагэирэ. Этот стиль, с его универсальной значимостью, приобрел большую популярность и был принят всеми школами, существовавшими в то время. Сёка он назывался только в Икэнобо, в других школах употреблялся термин сэйка.
Слово сёка (сэйка) во второй половине 18 века стало наиболее характерным для обозначения искусства цветочных композиций, сменив прежние названия — рикка и нагэирэ и использовалось в этом качестве до второй половины ХIХ века. Со временем китайское чтение иероглифов, составлявших этот термин, сменилось японским и так появилось слово икэбана.
Активная модернизация страны после Реставрации Мэйдзи (1868) и значительное воздействие запад ной культуры потребовали серьезного пересмотра традиционной эстетики икэбаны. Первым ее реформатором стал талантливый мастер Унсин Охара (1861—1914), основавший в 1912 году школу Отара. Наиболее радикальным его действием было создание композиций а горизонтальных емкостях, ставших на чалом стиля морибана (нагромождение цветов). До этого цветы ставились только в вертикальных вазах. Охара использовал известный и прежде способ аранжировки в плоском сосуде (цуна-но моно), но применил его для раскрытия новых граней и возможностей в постановке цветов, в частности, акцентировав роль цветовой гаммы. для крепления растений он использовал не песок, а металлические цилиндры с перегородками (сиппо), позже сменившиеся кэндзанами (металлические наколки). Другим его новаторством было включение в композиции европейских цветов. Эксперименты Охара были крайне неодобрительно встречены в традиционных кругах, но ему удалось раздвинуть рамки ограничений и сблизить это искусство с современной жизнью. Морибана, способствовавшая раскрепощению цветочньх композиций, стала ведущей формой абсолютно во всех школах и направлениях. С начала 1920-х годов появилось свободное направление - Дзиюка, которое было с энтузиазмом поддержано прогрессивно мыслящими представителями этого искусства.
В 1930 году в печати появился манифест, подписанный несколькими молодыми мастерами и художественными критиками, которых объединило стремление превратить икэбану в полноправный вид современного искусства. Они заявили, что отрицают косные традиции, ограничения в выборе цветов и ваз, и провозгласили абсолютную свободу творчества, позволяющую наиболее полно выражать мысли и чувства художника, его видение современности. Так родилось еще одно направление — дзэнъэйбава (цветы в авангардном стиле).
Одним из главных идеологов этого направления был Софу Тэсигахара (1900—1979), разносторонне одаренный представитель нового поколения, незадолго до этого, в 1927 году создавший свою школу – Со-гэцу (трава — луна). Энергия, смелость экспериментатора и большой талант художника стали прочной ос новой для поисков и размышлений, приведших к неожиданным для традиционной икэбаны формам. Впервые была открыта своеобразная красота увядающих и засохших растений, стали использоваться но вые, необычные материалы: тропическяе растения, перья, пряжа, металл, пластмасса, стволы деревьев и т. д. Произведения мастера — это подлинные скульптуры, поражающие не только оригинальностью фор мы, но и глубиной, силой, отточенностью художественного образа. Школа Согэцу стала самой популярной среди любителей и ценителей искусства икэбана не только в Японии, но и за ее пределами.
В настоящее время в Японии существует до трех тысяч школ икэбаны. Основными лидерами являются Согэцу, Охара и Икэнобо. В каждой из школ существует своя система обучения. Наиболее четко продуманной и доступно выраженной выглядит система Согэцу с курсом из четырех ступеней. Во всех школах сегодня приняты свободные композиции.
Современный этап в искусстве-икэбана определяется с начала 1960-х годов. За этот период она прошла путь значительного экспериментирования, тесно связанного с развитием современного авангардного искусства. Произведения икэбаны стали больше напоминать модернистские скульптуры, инсталляции, абстракционистские дизайнерские образцы и т. п. С конца 1980-х годов мастера икэбаны обратились к пересмотру взаимосвязи современного человека и природы, это выразилось в более бережном и уважительном отношении к природному материалу и постановке новых задач более глобального характера, связанных с актуальными проблемами современности, в том числе экологической. Современная икэбана развивается на принципах открытости и творческой интерпретации различных воздействий, в частности европейской аранжировки цветов.

Искусство аранжировки цветов (икебана) пришло к нам из Японии ещё в 1968 году, прижилось и даже вошло в моду. Если раньше искусство икебаны было доступно лишь избранным, то теперь этим может заниматься каждый, причём, в любое время года, используя любые подручный материалы (даже сорняки). Главное в искусстве икебаны - проявить фантазию.

Итак, если вы решили попробовать себя в искусстве составления букетов, необходимо запомнить несколько важных правил.

Букет должен быть асимметричен. Это означает, что правая и левая его части не могут быть одинаковой длины. При этом необходимо соблюдать пропорциональность между основными и вспомогательными элементами композиции. Важно так же, чтобы форма букета сочеталась с вашим интерьером.

В икебане большое значение придается красоте линий. Прямые ветки почти не используют, предпочтение отдаётся неправильным, изогнутым формам. Японцы считают, что это делает композицию более динамичной и передаёт определённый эмоциональный настрой.

Икебана имеет высоту, ширину и глубину, к тому же, она объемна, поэтому аранжировщик должен позаботиться о том, чтобы его произведение выглядело одинаково красиво с любой точки обозрения.

При создании букета не бойтесь использовать необычные материалы, создавать композиции неожиданной формы или соединять несоединяемые цвета. Новизна - одно из правил составления икебаны. Наконец, последнее из основных правил - соблюдение гармонии. Сочетаться должны все элементы композиции: не только форма букета, но и цвет, и Размер (Size) вазы, и все то, что будет окружать вашу икебану.

Начиная составлять икебану, выберите самую высокую и красивую ветку или цветок. Посмотрите, с какой стороны они выглядят наиболее выигрышно. Обратите внимание на то, чтобы изнаночная сторона листьев растений не была видна. Затем, отмерьте длину ветки или цветка и срежьте все лишние листья.

Предназначение икебаны - создание эффекта присутствия в доме живой природы, поэтому очень важно, чтобы используемые растения и композиция в целом соответствовали сезону. Для весенних букетов используют цветущие ветки плодовых деревьев (абрикос, слива, персик, вишня), а также форзицию, глицинию, кустарниковый пион, тюльпан, ирис, фреезию и многие другие. Летом - полевые и луговые травы. В осенние композиции можно включить корзинки подсолнуха, соцветия целозии, хризантем, мискантуса. Для зимних же - подойдут растения с вечнозелеными листьями и хвоей (в первую очередь сосна), можно добавить в композицию и комнатные цветы.

Каждое растение или цветок в икебане имеет символическое значение. Так, ива и сосна означают долголетие и выносливость, бамбук - жизнестойкость, цветущая ветка сливы - смелость и энергию, ирис - честь. Композиция из веточек криптомерии оберегает от нечистой силы, сосна и роза символизируют вечную молодость, сосна и сакура - преданность и рыцарство, слива и пион - молодость и процветание, пион и бамбук - процветание и мир.